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오늘은 지난 번 영상,
‘현대미술 어쩌다 지금의 모습까지 왔나 ?’에서 소개해드렸던
꼭 알아야 할 현대미술 작가 TOP 10에 이어서
빼놓을 수 없는 현대미술작가들을 소개하는 영상입니다.
현대미술작가 TOP 10에서는,
· Murakami Takashi 무라카미 타카시
· Damien Hirst 데미안 허스트
· Jeff Koons 제프 쿤스
· Ai Weiwei 아이 웨이웨이
· Andy Warhol 앤디 워홀
· Jean-Michel Basquiat 장-미쉘 바스키아
· JR 제이알
· Anish Kapoor 아니쉬 카푸어
· Marina Abramović 마리나 아브라모비치
· Kusama Yayoi 쿠사마 야요이
를 소개해드렸었어요 🙂
[오늘 1편에서 소개해드릴 작가들]· Lee Bul 이불
· Do-ho Suh 서도호
· Nam June Paik 백남준
· Haegue Yang 양혜규
· Christo and Jeanne-Claude 크리스토와 잔-끌로드
· Nan Goldin 낸 골딘
· Olafur Eliasson 올라퍼 엘리아슨
· Félix González-Torres 펠릭스 곤잘레스 토레스
· Banksy 뱅크시
[2편에서 이어질 작가들]· Zhang Xiaogang 장 샤오강
· Gerhard Richter 게르하르트 리히터
· Jenny Saville 제니 사빌
· Tracey Emin 트레이시 에민
· Richard Prince 리처드 프린스
· Andreas Gursky 안드레아스 거스키
그리고,
세실리 브라운 Cecily Brown, 안젤름 키퍼 Anselm Kiefer, 쩡 판즈 Zeng Fanzhi, 피터 도이그 Peter Doig, 다이앤 아버스 Diane Arbus, 루치안 프로이드 Lucian Freud, 프랜시스 베이컨 Francis Bacon, 데이브드 호크니 David Hockney, 크리스토퍼 울 Christopher Wool, 키스 해링 Keith Haring, 루이즈 부르주아 Louise Bourgeois 등이 다뤄질 예정입니다 🙂
어떤 작가가 TOP이냐 아니냐의 순서가 아니라
전체적으로 알아두면 좋을 현대미술 작가들로 생각해주시면 좋겠구요.
각 아티스트에 대한 집중탐구가 아니라 간단한 핵심정리 소개이기 때문에
전체 작품세계를 모두 아우를 수 없고
예외적인 모든 개념까지 담을 수는 없는 점 양해하며
각 작품세계에 눈도장을 찍는 정도로 봐주시면 좋겠습니다.
2편도 곧 업로드 예정입니다. 기대해주세요! ♥
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미국 현대 미술 작가 주제에 대한 자세한 내용은 여기를 참조하세요.
당신이 알아야 할 10 명의 미국 현대 작가
새로운 인재는 끊임없이 경계를 넓히거나 고전적인 것에 현대적인 회전을가함으로써 현대 미술 현장에 표를하기 위해 노력하고 있습니다.
Source: ko.yourtripagent.com
Date Published: 8/5/2022
View: 435
미국 현대 미술 거장 4인의 빛 – 블로그 – 네이버
미국 로스앤젤레스를 중심으로 활동하는 빛의 미술가 3인과, 뉴욕을 대표하는 미니멀리즘 작가 댄 프래빈의 합동 전시 <벤딩 라이트Bending Light>가 …
Source: blog.naver.com
Date Published: 12/2/2021
View: 5289
11화 세계 미술의 중심, 뉴욕 미술 (1) – 브런치
미국에 가장 영향력 있는 미술 행사에 속하는 뉴욕 최초의 현대 미술전 … Administration)는 미국 작가와 예술가들을 지원했고 미국 추상주의 화가 …
Source: brunch.co.kr
Date Published: 6/3/2022
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화가 미국 출신 현대미술 – Singulart
Discover works by specially selected contemporary 미국 출신 화가: artworks for … SINGULART – 현대미술 작품구매 : 온라인 아트 갤러리 … SINGULART 제휴작가 …
Source: www.singulart.com
Date Published: 1/20/2021
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20세기 현대미술가 정리
20세기 현대미술가 정리 … 작가이름, 시기, 국가, 특징, 대표작 … 1958~1990, 미국, 그래피티로 시작해서 고급미술과 저급미술의 경계를 허물고자 …
Source: zrungee.tistory.com
Date Published: 4/28/2021
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미국현대미술展 — Art In Culture – 아트인컬처
이번 전시에는 미국 현대 미술가 20명의 회화 조각 설치 미디어 사진 작품 190여 점이 전시된다. 앤디 워홀, 로버트 라우센버그, 브루스 나우먼, …
Source: www.artinculture.kr
Date Published: 2/2/2021
View: 3248
현대미술의 중심 미국 미술은 바로 이런 것! < 문화 ... - 주간조선
휘트니미술관은 1931년 미국의 미술과 작가들을 지원하려는 목적으로 개관한 이래 수많은 현대작가들을 지원하고 그들의 작품을 사들였다. 이번 전시에는 …
Source: weekly.chosun.com
Date Published: 12/1/2021
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주제에 대한 기사 평가 미국 현대 미술 작가
- Author: 예술산책 Art walk
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- Date Published: 2020. 6. 16.
- Video Url link: https://www.youtube.com/watch?v=sGghFjiDQEE
당신이 알아야 할 10 명의 미국 현대 작가
새로운 인재는 끊임없이 경계를 넓히거나 고전적인 것에 현대적인 회전을가함으로써 현대 미술 현장에 표를하기 위해 노력하고 있습니다. 화가에서부터 조각가, 영화 제작자, 사진 작가에 이르기까지 현대 미술계를 폭풍에 빠지게하는 21st 세기의 미국인 재능을 살펴 봅니다.
Brian Dettmer, 지식의 새로운 책, 2009 | 예술가와 PPOW 갤러리, 뉴욕의 의례
브라이언 Dettmer
브라이언 디트 머 (Brian Dettmer)는 오래된 책과 폐기 된 형태의 오래된 미디어를 복잡한 조각의 걸작으로 변형시킨 뉴욕에 본사를 둔 현대 미술가입니다. 핀셋, 나이프 및 기타 외과 용구를 사용하여 Dettmer는 신중한 방법으로 책을 재발견 할 수있는 놀라운 예술 작품을 제작하여 신중하게 조각을 잘라 내기 전에 책의 모든 부분을 봉인하지만 결코 물건을 추가하거나 움직이지 않습니다. Dettmer의 작품은 그의 경력 전반에 걸쳐 많은 영예를 얻었으며 종종 전국 및 해외의 단독 전시회 및 그룹 전시회에서 선보였으며 워싱턴 DC의 Smithsonian American Art Museum Renwick Gallery를 비롯하여 전 세계의 많은 개인 및 공공 컬렉션에서 볼 수 있습니다.
다니엘 아르 샹
Daniel Arsham은 New York을 기반으로 2, 3, 4 차원의 고유 한 예술 작품을 창작했으며 그 중 많은 작품이 건축 요소를 가지고 있습니다. 아키텍처를 조작하거나 왜곡 한 것으로 알려진 Arsham의 가장 잘 알려진 작품 중 일부는 시청자가 전에 없었던 건물 요소를 경험하도록합니다. 인물 위에 펼쳐지는 벽에서부터 바람을 피우면서 잔물결이 생기는 것처럼 보이는 부분까지, 그의 예술은 실제로 예외적입니다. Arsham은 또한 워크맨, 카세트 플레이어 등 일상 생활에서 벗어나 일상의 현대적 물체를 가져 와서 화산재와 미래의 부패물을 만들어내는 다른 재료에 던져 넣습니다. 많은 그룹 쇼의 일부가되었고 솔로 전시회에서도 수상한 Arsham의 작품은 마이애미 현대 미술관을 비롯한 많은 컬렉션에서 볼 수 있습니다.
다이아나 알 – 하디드, 그림자 피규어, 2015 | 예술가와 OHWOW Gallery, 로스 앤젤레스의 의례
다이아나 알 – 하디드
고분자 석고, 유리 섬유, 강철, 석고 및 기타 재료로 작업하는 Diana Al-Hadid는 복잡하고 현혹되어 아름다운 예술 작품을 제작합니다. 시리아에서 태어나 오하이오 주에서 자란 알 – 하디드는 녹아 내 보이지만 사실상 단단한 그녀의 커다란 조각품으로 유명합니다. 알 – 하디드 (Al-Hadid)는 북 르네상스 예술 작품과 고딕 양식의 건축물을 비롯하여 역사 전반에 걸쳐 예술에서 발견되는 요소들을 연상케하는 정교하고 추상적 인 작품을 구성합니다. 그녀의 작품에는 또한 패널이 포함되어 있습니다. 유동성 재료는 평평한 받침 위에 부어 져서 건조되면 제거되어 떠 다니는 것처럼 보이는 조각을 만듭니다. 그녀의 독특한 스타일로 Al-Hadid는 그룹 쇼와 함께 많은 개인전을 가졌으며 뉴욕시에있는 The Whitney Museum of American Art와 같은 권위있는 컬렉션에서 상영됩니다.
KAWS, 남자 최고의 여자 친구, 2014 | 의례 명예 프레이져 갤러리 사진 브라이언 포레스트
KAWS
뉴저지의 낙서 아티스트로 시작한 브라이언 도넬리 (Brian Donnelly)는 자신의 이름 인 KAWS로 잘 알려져 있으며 그림과 조각 등 다양한 매체에서 일하는 세계적으로 유명한 예술가입니다. 수년에 걸쳐 많은 회사와 일하면서, 그는 또한 한정판 장난감 및 의류 품목의 배열을 디자인했습니다. 그의 cartoonesque 미술 작품으로 유명한 KAWS는 미키 마우스, 스누피, 스폰지 밥 스퀘어 팬츠 등 팝 캐릭터를 종종 상상합니다. 그들의 X-ed 밖으로 눈에 의해 수시로 증명할 수있는, KAW의 예술은 대담한 색깔로 넘치는보다는 수시로이다. 전 세계 전시회에서 전시 된 그의 작품은 파리의 Rosenblum Collection을 포함하여 개인 및 공공 장소의 많은 영구 컬렉션에서 볼 수 있습니다.
Kehinde Wiley, Le Roi a la Chasse, 2006, 오일 캔버스, 96 “X 72″| © 에드 Uthman / 플리커
Kehinde Wiley
Kehinde Wiley는 Old Masters의 그림에서 영감을받은 초상화로 유명한 뉴욕에 거주하는 예술가입니다. 원래 Harlem 출신의 흑인 남성을 묘사 한 Wiley의 작품에는 전 세계의 다른 흑인 남성과 결국 흑인 여성이 포함되었습니다. 모델이 귀족, 귀족, 그리고 자신이 선택한 다른 역사적인 인물을 묘사 한 고전적인 작품을 선택하도록 허용하면서 Wiley는 평상시 같은 옷을 입은 남자들에게 장식용 직물을 기반으로 한 화려한 배경으로 페인트합니다. 그 결과 고전적인 초상화에 대한 대담하고 강력한 현대 스핀이 탄생했습니다. 세계적으로 유명한 와일리의 그림은 뉴욕시의 메트로폴리탄 박물관을 비롯하여 전 세계 수많은 컬렉션에서 볼 수 있습니다.
마리아 로버트슨
현대의 사진 작가 인 Mariah Robertson은 자신 만의 방식으로 일을하고 있습니다. Robertson은 모든 사진 규칙을 무시하고 과다 노출 및 찢어진 광택 용지 사용과 같은 다양한 비 전통적 방법을 실험합니다. 그녀는 또한 혼자 또는 혼합 된 다양한 화학 물질을 사용하여 종이에 이들을 쏟아 부어서 무슨 일이 일어날지를보고 결과는 믿어지지 않습니다 : 강렬한 색으로 폭발하는 야생 사진. 로버트슨의 사진은 대다수가 크기 때문에 벽에 매달려있는 것이 아니라 인상적인 작품으로 전시되지 않는 경우가 많습니다. Robertson의 혁신적인 사진은 다양한 그룹 및 개인전 출품작 외에도 여러 공공 컬렉션에서도 볼 수 있습니다.
Ryan Trecartin, Trill-ogy : 형제 주제 (섹션 A), 2009, 비디오 설치 | © Julian Stallabrass / Flickr
라이언 트레 카틴
때로는 조각품을 만들고 설치 작업을하는 Ryan Trecartin은 현재 로스 앤젤레스에 거주하고 있으며 비디오 아티스트로 잘 알려져 있습니다. Trecartin은 끊임없는 공동 작업자 인 Lizzie Fitch와 함께 실험적이고 다층 적이며 빠르게 진행되는 영화를 제작합니다.이 영화는 종종 박물관에 전시됩니다. 2004의 아트 장면으로 가족이 엔터테인먼트를 찾습니다., 소년의 ‘나오는’모험을 탐구하고 Trecartin가 가족 및 친구와 함께 많은 특성을하는 것을 발견하는 필름, Trecartin는 많은 표창장을 받고 2 년 후에 휘트니 비엔날레에서 특색 지어졌다. 현대인의 삶과 그에 수반되는 모든 것에 관심이있는 그의 영화는 독특하고 흥미로 우며 Solomon R. Guggenheim Museum을 비롯한 많은 기관의 주목을 끌고 있습니다.
Taryn 사이몬, 살아있는 사람은 죽은 다른 장을 선언했다, 2008-11 | © Sascha Pohflepp / Flickr
Taryn 시몬
타린 사이먼 (Taryn Simon)은 사진, 텍스트 및 그래픽 디자인을 결합한 저명한 예술가입니다. 숨겨진 것들을 탐색하는 데 관심이있는 Simon은 종종 불가능하거나 금지 된 것으로 간주되는 주제를 포착하고 하나는 철회하지 말고 그녀는 주제를 식별하고 액세스를 얻고 프로젝트를 만들기 위해 지루한 연구 프로세스를 시작합니다. 결실을 맺는다. 한 프로젝트에서, 숨겨진 및 익숙하지 않은 미국 색인사이먼은 미국 내에서 CIA의 미술품 수집에서부터 미국에 중요한 것은 물론 미국인들이 자주 볼 수없는 동면 곰에 이르기까지 다양한 것들을 조사합니다. 예술 애호가는 파리의 Centre Georges Pompidou를 비롯하여 전 세계에서 그녀의 작품을 찾을 수 있습니다.
Tauba Auerbach
색상과 치수와 함께 언어와 논리를 탐구하는 Tauba Auerbach는 조각, 사진, 서적 디자인, 제직 등 다양한 매체에서 일하는 다방면의 예술가입니다. 그러나 그녀는 지각과 색상으로 놀 수있는 ‘폴드 페인팅’으로 알려진 그녀의 그림으로 가장 잘 알려져 있습니다. 눈을 뜨고 철판으로 캔버스에 접어 넣은 후 Auerbach는 캔버스를 페인트하여 모든 주름을 잡습니다. 일단 말라서, 그녀는 2 차원 작품을 흉내 낸 3 차원의 작품을 꼼꼼하게 뻗어냅니다. 수많은 그룹 전시회에서 특색을 얻은 Auerbach는 전 세계에서 많은 솔로 쇼를 개최했으며 스톡홀름의 Moderna Museet을 비롯한 여러 영구 컬렉션에 작품을 전시했습니다.
조 스트라우스의 10th 및 최종 I-95 쇼 | © Pilar Berguido / Flickr
조 스트라우스
조니 스트라우스 (Zoe Strauss)는 30 시대에 수상 경력에 빛나는 경력을 시작으로 필라델피아에 기반을 둔 사진 작가로서 사회에서 종종 간과하는 사람들과 장소를 포착합니다. Strauss는 다양한 경제적 사회적 진실에 대한 진정한 견해를 외면하지 않고 강력하고 존경받는 인물 사진을 만들기 위해 이웃 사람들과 그들의 일상 생활을 촬영하기 시작했습니다. 그녀의 예술을 접할 수있게하면서, 그녀는 10 년 여행을 시작하여 I-95 다리 밑의 기둥을 지원하기 위해 많은 사진을 찍었습니다.이를보고 싶은 사람은 누구나 할 수 있습니다. Strauss의 사진은 건물과 광고판에서도 짧은 기간 동안 발견되며 전세계의 많은 개인 및 공공 컬렉션에 있습니다.
미국 현대 미술 거장 4인의 빛
디자인·아트 전시/행사 미국 현대 미술 거장 4인의 빛 디자인프레스 ・ URL 복사 본문 기타 기능 공유하기 신고하기 빛을 주제로 한 미국 거장 네 명의 전시가 열려 흥미롭다. 전시를 앞두고 피터 알렉산더Peter Alexander가 지난 5월 26일 작고해 안타까움을 자아난다. 페이스갤러리 서울이 빛으로 가득 찼다. 미국 로스앤젤레스를 중심으로 활동하는 빛의 미술가 3인과, 뉴욕을 대표하는 미니멀리즘 작가 댄 프래빈의 합동 전시 <벤딩 라이트Bending Light>가 바로 그것이다. 현대 미술 거장 피터 알렉산더, 로버트 어윈Robert Irwin, 제임스 터렐James Turrell 그리고 댄 플래빈Dan Flavin의 작품이 보여주는 연관성이 흥미롭다. 1960년대부터 캘리포니아를 중심으로 진행한 ‘라이트앤 스페이스 운동Light and Space Movement’을 이끈 세 작가의 근래 작품과 뉴욕을 기반으로 활동했던 미니멀리즘 미술의 거장 플래빈의 작품과 함께 선보이는 것. 피터 알렉산더는 초창기 레진으로 작업했는데, LA 특유의 오묘한 빛을 연상시키다는 호평을 받았다. 어린 시절부터 캘리포니아의 해안에서 서핑하며 바다와 햇빛에서 떠올린 색채를 작품에 녹여냈다. 1970년대는 유화와 아크릴 중심의 회화 시대였는데, 레진을 작품 소재로 사용했다는 것은 대중에게 받아들여지기 쉽지 않은 도전이었다. 하지만 레진에 독성이 있다는 것을 알고, 1970년대 중반부터는 회화에 몰두해 안타까워한 이들이 많았다. 2005년부터 다시 빛과 기하학적 아름다움의 탐구에 나섰으나, 암으로 투병하다 지난달 81세의 나이에 세상을 떠났다. 그는 말년에 우레탄으로 작품을 만들었는데, 작품 자체가 빛을 흡수하는 반투명으로 이루어져 감탄을 자아냈다. 제임스 터렐 올해 77세의 제임스 터렐은 강원도 미술관 뮤지엄산의 상설 전시로 우리나라에도 알려져 있다. 항공 엔지니어였던 부친의 영향을 받아 어린 시절부터 파일럿을 꿈꾸었고, 실제로 비행기 조종 자격증을 갖추었다. 찬란한 자연의 빛을 작품으로 만들게 된 것에는 비행기에서 바라본 하늘 풍경이 큰 영향을 미쳤을 것이 분명하다. 또한 그는 퀘이커Quaker 교도로서 명상과 침묵을 중요시하는 종교 철학을 작품에 녹여낸 것으로 보인다. 그야말로 자연의 빛과 공간으로만 작품을 형상화 해오다가, 2000년대부터 네온, LED를 사용해 하늘에서 바라본 수만 가지 컬러를 창조하기 시작했다. 그의 부인이 한국인이라는 것도 친근함을 느끼게 한다. 2020년은 특히 제임스 터렐에게 중요한 해인데, 코로나19로 인해서 약간의 어려움을 겪고 있다. 1976년부터 미국 애리조나 사막의 분화구에서 만들어온 제임스 터렐 미술관 로덴 크레이터Roden Crater을 올해 개관 예정이었으나 일정이 미정이 된 것. 40여 년 동안 화산 내부를 관통하는 6개의 터널을 뚫고, 21개 빛의 공간을 만들었다고 한다. 코로나19가 크게 확산하기 이전인 2월에 프리즈 LA, 3월 페이스갤러리 런던에서 개인전을 가지며 성대한 잔치의 시작을 예고했으나 지금은 잠시 소강상태다. 이번 전시를 위해 갤러리에 설치한 LED 작품은 2시간 30분 동안 계속해서 색채가 변하는 대작으로, 인공의 빛임에도 불구하고 자연의 신비를 느끼게 한다. 로버트 어윈은 <언라이트Unlights> 전시를 2020년 1월 페이스갤러리 뉴욕에서 선보여 솔드 아욱을 기록한 바 있다. 신작 <언라이트> 시리즈는 기존과 달리 전기에 연결하지 않은 형광등을 주변의 빛으로 새롭게 바라보는 작품이다. 이에 로버트 어윈의 최신작은 댄 플래빈의 전기와 연결한 형광등 작품과 비교되곤 한다. 뉴욕에서 활동한 댄 프래빈은 1980년대가 전성기였으며, 이번 페이스갤러리 전시 작품도 1984년 만들어진 대표작이다. 형광등 작품을 코너에 설치해 블루와 레드 컬러의 빛을 밝힌다. 댄 플래빈은 대형 작품은 많지만 코너 피스 소품은 흔하지 않아 수집가들의 관심을 모으고 있다. 로버트 어윈에게 빛은 끝을 위한 수단이었지만, 댄 프래빈의 빛은 끝 그 자체였다. 로버트 어윈의 형광등 작품은 전기에 연결되어 있지 않지만 마치 불이 켜진 듯한 아름다운 착시효과를 일으킨다. 로버트 어윈은 올해 91세의 나이임에도 불구하고 신작을 선보이며 거장의 파워를 보여주고 있다. 이처럼 댄 플래빈과 로버트 어윈의 작품을 서로 대비해 살펴보는 것도 전시를 보는 관전 포인트다. 댄 플래빈의 작품은 형광등을 사용한 공간의 색감으로 장소를 장악한다. 반면에 로버트 어윈은 작품이 놓여지는 공간을 연구하고, 작품이 전시되었을 때 공간과 어우러지는 모든 것이 작품이라고 말한다. 재미있는 것은 그렇기 때문에 로버트 어윈은 과거 20~30년 동안 작품 촬영을 금지했었다는 점이다. 촬영으로 인해 작품이 왜곡되는 것을 염려했기 때문이다. 다행히도 요즘은 작품 촬영을 허락하고 있다(하마터면 우리는 그의 작품 이미지를 이번 기사에 포함하지 못할 뻔했다). 로버트 어윈은 미술 작품뿐 아니라 디아 비콘Dia: Beacon, 게티 센터 등의 정원과 전시장 설계하는 등 공간에 대해 누구보다 감각이 뛰어난 작가로 알려져 있다. 댄 플래빈 댄 플래빈은 형광등에 색채를 입히는 것이 아니라, 실제 컬러 형광등을 사용한다. 최초의 형광등 작품은 1964년 선보였고, 활발히 활동하다 1996년 작고했다. 2007년 데이비드 즈위너 갤러리에서 그의 최초의 형광등 작품을 재현하기도 했다. 댄 플래빈의 작품은 보존에 어려움을 겪고 있는 백남준의 미디어 작품과는 달리, 재단에서 형광등 공장까지 운영할 정도로 완벽한 복원 보존에 나서고 있다고 하니 부럽기 그지없다. 라이트 앤 스페이스 운동은 1960년대 UCLA에서 첫 전시를 가지며 화려한 막을 올렸다. 이후 이번 전시에 참여한 제임스 터렐, 피터 알렉산더, 로버트 어윈 등이 주축이 되어 진화를 거듭해왔다. 당시 뉴욕과 로스앤젤레스 작가들의 작품 세계는 너무 달랐다. 뉴욕을 중심으로 한 동부 작가들은 마크 로스코와 같은 미니멀리즘 사조에 빠져 있었던 것이다. 댄 플래빈이 활동한 미국의 동부 뉴욕에서는 마르셸 뒤샹의 변기와 같은 레디 메이드 제품을 미술 작품으로 만드는 것에도 관심이 많았고, 서부 로스앤젤레스에서는 빛과 공간에 집중하는 경향이 있었다. 댄 플래빈은 어디에서든 작품 한 점으로 독보적 파워를 드러냈고, 빛과 공간에 관심을 가진 서부의 작가들은 작품과 벽, 오브제와 환경의 경계를 무너뜨리고 싶어 했다. 이는 아마도 로스앤젤레스를 중심으로 한 작가들은 서부의 눈부신 빛과 아름다운 자연에서 영향을 받았기 때문으로 보인다. 미국 현대미술 거장 4인의 전시 <벤딩 라이트>는 페이스갤러리 서울에서 6월 5일부터 8월 14일까지. 글 | 디자인프레스 객원 에디터 이소영 ([email protected]) 인쇄
11화 세계 미술의 중심, 뉴욕 미술 (1)
19세기와 20세기 세계 미술 중심지였던 파리에서 수많은 화가와 조각가들이 창작 활동을 했고 사실주의, 낭만주의, 인상주의와 후기 인상주의 등 예술 사조를 탄생시켰다. 파리 중심가에 있는 세계적인 루브르 박물관은 명성이 높아 전 세계 사람들의 사랑을 받는다. 파리를 생각하면 고흐, 피카소, 세잔, 고갱, 르누아르, 드가, 로댕 등 우리에게 친숙한 화가와 조각가를 떠올리게 한다. 하지만 세계 2차 대전 후 상황은 달라지게 된다. 1950년대 잭슨 폴락의 액션 페인팅은 추상 미술로 세계적으로 주목받게 되었고 팝아트, 개념 미술, 미니멀리즘 등 새로운 미술 사조를 만들어 갔다. 1966년 베니스 비엔날레 전에서 미국 화가 로버트 라우젠버그가 대상을 수상하게 되자 세계적으로 미국 미술이 인정을 받게 되었다.
뉴욕은 현대 미술 중심지다. 뉴욕에 세계적인 뮤지엄과 미술관이 정말 많고, 세계적인 아트 축제가 많이 열리고, 세계적인 아트 갤러리와 아트 딜러가 있고, 세계적인 미술 경매장 크리스티와 소더비가 있고, 세계적으로 명성 높은 미술 학교가 있다. 수많은 아티스트들이 뉴욕에 와서 창작 활동을 하고, 뉴욕에 와서 창작 활동을 하고 싶다고 한다. 뉴욕에서 에드워드 호퍼, 도널드 저드, 로이 리히텐슈타인, 조지 오키프, 마크 로스코, 앤디 워홀, 제프 쿤스, 마르크 샤갈, 살바도르 달리 등 수많은 예술가들이 활동했다.
한국에서 지낼 적 미국 문화에 전혀 관심이 없는 내게 뉴욕은 낯선 도시였다. 어느 날 이민 가방 들고 뉴욕에 와서 공부하고 일하고 살면서 차츰 뉴욕 문화에 노출되면서 어릴 적부터 그림을 좋아하는 내게 뉴욕이 보물처럼 아름다운 도시란 것을 깨닫게 되었다. 셀 수 없이 많은 뮤지엄과 갤러리에서 언제든 마음껏 전시회를 볼 수 있으니 얼마나 좋은가. 뉴요커들은 그림을 사랑하고, 전시 공간이 많아 미술관에 가는 게 일상이다. 백발이 된 노인들도 자주 찾고 심지어 지팡이를 들고 오거나 휠체어를 타고 미술관에 온다. 아트 스튜던츠 리그에 가면 백발노인들이 미술 수업을 받는 것을 보고 또한 메트 뮤지엄에 가면 그림을 습작하는 사람들을 종종 보게 된다. 무료입장이나 기부 입장 시 뮤지엄에 가면 전시 공간을 꽉 메운 방문객을 보고 언제나 놀라곤 한다. 뉴욕에서 읽고 보고 느낀 대로 뉴욕 미술 문화를 정리해보고자 한다.
뉴욕 아모리 쇼(The Armory Show 1913)- 뉴욕 인상 깊은 전시회
미국에 가장 영향력 있는 미술 행사에 속하는 뉴욕 최초의 현대 미술전 ‘아모리 쇼’는 유럽의 아방가르드 회화와 조각이 미국에 처음으로 소개되어 미국 미술사에 획기적인 선을 그으며 정치, 사회와 문화에 많은 영향을 미쳤다. 아모리 쇼는 미국에서 모더니즘의 시작을 알리는 계기가 되어 아름다움에 대한 인식이 바뀌었고 예술가와 수집자에게 많은 영향을 미쳤다. 빈센트 반 고흐, 폴 세잔, 앙리 마티스, 파블로 피카소, 마르셀 뒤샹 등이 소개되었고 특히 마르셀 뒤샹의 <계단을 내려오는 누드 NO. 2>는 센세이션을 일으켰다.
세계적인 규모의 박물관과 미술관과 수많은 상업 화랑
맨해튼 뮤지엄 마일에 세계적인 수준의 메트 뮤지엄, 구겐하임 뮤지엄, 쿠퍼 휴이트 국립 디자인 박물관, 유대인 박물관, 누 갤러리, 프릭 컬렉션, 뉴욕 시립 박물관 등이 있고, 미드 타운에 현대 미술의 보고 모마가 있고 미트 패킹 디스트릭트에 미국 미술의 보고 휘트니 미술관이 있고, 첼시에 약 300여 개의 갤러리가 있고, 맨해튼 미드타운, 메디슨 애비뉴, 소호, 로어 이스트사이드, 브루클린 덤보, 윌리엄스버그, 부시윅 등에 셀 수 없이 많은 상업 갤러리가 있다. 작품을 판매하는 갤러리는 무료로 전시회를 볼 수 있고 뉴욕 뮤지엄 입장료는 20-25불 정도니 저렴하지 않으나 기부 입장이나 무료입장 제도를 이용하면 뉴욕 시민들은 저렴하게 언제든 미술품을 관람할 수 있다. 뉴욕 시민들은 세계적인 수준의 전시회를 자주 볼 수 있고 전시 공간이 많아서 미술을 사랑하는 분에게 뉴욕은 천국일지도 모른다. 세계적인 예술품을 감상하러 멀리 여행을 떠나지 않아도 되는 뉴욕이 얼마나 멋진 도시인가.
첼시 갤러리 메트 뮤지엄
그뿐만이 아니다. 미술관과 뮤지엄 역사도 깊다. 메트 뮤지엄은 1870년 설립되었고, 현대 미술의 보고 모마는 1929년 11월 7일 일반인에게 오픈되었고, 미국 미술의 보고 휘트니 미술관은 1931년 설립되었고 구겐하임 미술관은 1959년 오픈했다. 뉴욕 시민들은 일찍 전시회 문화에 익숙하게 되었다.
미국 정부와 뉴욕시와 뉴욕주 예술가 지원 정책
미국 대공황 시절 창립된 WPA(Works process Administration)는 미국 작가와 예술가들을 지원했고 미국 추상주의 화가 잭슨 폴락도 혜택을 받았다. 뉴욕시 맨해튼 5번가 뉴욕 공립 도서관에 WPA기금을 받아 만든 벽화가 있다. 1965년 미국 연방 정부 예술 기금(National Endowments for the Arts/NEA)이 탄생해 예술가들 활동을 지원하고 있다. 뉴욕주 문화예술협회(NYSCA)와 뉴욕시 문화국(New York City Department of Cultural Affairs/DCLA)도 예술가 활동을 지원하고 있다.
애쉬캔 학파 Ashcan School
20세기 초 미국에서 일어났던 미술 사조이며 뉴욕의 가난한 이민자들과 워킹 클래스 삶을 담은 그림을 그렸고 로버트 헨리(Robert Henry), 조지 벨로(George Bellows), 존 슬론(John Sloan) 등이 활동했고 미국 현대 미술의 리얼리즘이 시작되었다.
뉴욕 학파 New York School
뉴욕 학파(New York School) 중심에는 1940년대-50년대 활동했던 미국 추상 미술과 관련 깊은 잭슨 폴락, 마크 로스코, 윌렘 데 쿠닝같은 예술가들이 있었다. 그들은 다양하고 기념비적인 작품을 창조했으며, 시인, 영화 제작가, 작곡가 등과 긴밀한 관계를 유지하며 공동 작업을 했다.
미국 추상 예술 발판- 예술가들의 토론 마당- 시다 태번 Cedar Tavern- 잭슨 폴락, 윌리엄 데 쿠닝, 마크 로스코 외
시다 태번은 뉴욕 스쿨(New York School) 시절 아티스트들이나 지식인들이 만나 마시고 밤새도록 토론하고 미술 비평을 하는 역사적인 장소였고 미국 추상 예술 발판이 된 곳이다. 추상화가 잭슨 폴락, 마크 로스코, 윌리엄 데 쿠닝, 프란츠 클라인과 비트 제너레이션 시인 앨런 긴스버그와 잭 케루악이 주 멤버였고 여러 차례 다른 곳에 옮겨졌고 1945년 24 University Place로 옮겼지만 2006년 역사 속으로 사라졌다. 폴락은 저렴한 맥주를 즐겨 마셨다고. 그 시절 맥주가 15센트.
Waldorf Cafeteria는 1940년대 윌리엄 데 쿠닝과 아실 고리키가 자주 토론을 벌였던 카페이며 미국 추상주의 발판이 되었다.
시다 태번에서 토론을 하는 예술가들
뉴욕 미술학교
뉴욕에 명성 높은 학교가 많다. 에드워드 호퍼, 로버트 헨리, 윌리엄 메릿 체이스, 토마스 하트 벤튼, 에드워드 호퍼, 조지 오키프, 로이 리히텐 슈타인 등과 인연 깊은 아트 스튜던츠 리그(Art Students League of New York)가 있고 쿠퍼 유니언 대학과 콜롬비아 대학과 뉴욕대에도 미술 학교가 있고 그 외 세계적으로 명성 높은 미술 학교가 많다:
National Academy of Design
School of Visual Art
Fashion Institute of Technololy
Parsons School of Design
Pratt Institute
New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture
뉴욕 예술가 클럽
뉴욕 예술가들이 만나 함께 스케치를 하고 예술가와 후원자가 함께 만나는 클럽이 있다. 전시회도 열고 가끔 작품 경매도 하고 다양한 이벤트를 개최하고 미술 수업도 연다. 회원이 아니라도 전시회를 감상할 수 있어서 좋고 일부 이벤트는 미리 예약을 해야만 하는 경우도 있다. 대표적인 두 클럽을 소개한다.
*살마군디 아트 클럽 Salmagundi Art Club
Salmagundi Art Club
1871년에 설립된 살마군디 아트 클럽은 미국에서 가장 오래된 아트 클럽 중의 하나에 속하며 Jonathan Scott Hartly 스튜디오에서 시작한 스케치 클래스에서 유래한다. 매주 다른 주제로 스케치를 하고 서로 비평을 주고받았고 그렇게 그들의 스케치 기술은 향상되어 잘 알려진 Illustrators가 되어 Scribner’s, Harper’s 등에 스케치가 실렸다. 스케치 클래스 시작한 10년 후 살마군디 스케치 그룹으로 알려져 전시회를 갖게 되었다. 그리니치 빌리지 브라운 스톤의 역사적인 저택에 자리 잡은 아트 클럽은 미술 수업, 전시회, 미술 경매 등 회원과 퍼블릭을 위해 다양한 프로그램을 운영하고 있다. 세 개의 갤러리와 도서관과 레스토랑도 있고 이벤트를 위해 대여할 수도 있다. 145년 동안 1500 작품 컬렉션을 소장하고 850명의 회원과 후원자들을 보유하고 있다. 회원 가운데 윌리엄 메릿 체이스, 루이스 컴포트 티파니, 차일드 하삼 등이 있다. 갤러리는 퍼블릭에게 무료로 오픈한다. 워싱턴 스퀘어 파크에서 가까운 곳에 위치한다.
*The National Arts Club
1898년 뉴욕 타임지 문학예술 비평가 찰스 드 케이(Charles De Kay)에 의해 설립된 내셔널 아트 클럽(The National Arts Club)이며 예술가들과 후원자와 관객을 위한 장소다. 초기 클럽 멤버들은 윌리엄 메릿 체이스, 로버트 헨리, George Bellows, J.P. 모건, Henry Clay Frick, 시어도어 루스벨트 & WoodrowWilson 대통령 등이다. 뉴욕에서 유서 깊은 이곳은 마틴 스콜세지 영화 <순수의 시대 Stand in for the Beaufort Mansion- Age of Innocence> 외에 <크레이머 크레이머>, <퀴즈 쇼>, <가십걸>, <맨해튼 살인 미스터리> 등 많은 영화와 티브이쇼를 촬영한 장소다. 갤러리는 멤버들에게만 허용하는 장소와 아닌 장소로 나누어지고 퍼블릭에게 오픈한 갤러리는 주중 자유롭게 볼 수 있다. 전시회 외 다양한 이벤트가 열리며 퍼블릭에게 오픈한 문학 이벤트 등도 있다. 전시회는 자주 바뀌고 소수의 방문객이 찾는 갤러리라 분위기가 조용하고 좋다. 가끔 미술 작품 경매도 하고 해마다 여름에 러시안 헤리티지 전시회도 열린다. 유니언 스퀘어 파크와 매디슨 스퀘어 파크 사이 그래머시 파크가 있고 근처에 <크리스마스 선물>을 집필한 오헨리가 단골이던 피츠 태번 레스토랑과 시어도어 루스벨트 대통령 생가가 있다. 아트 클럽 2층 벽에는 플라시도 도밍고, 이작 펄만, 레너드 번스타인 등의 초상화가 걸려있다.
세계적인 예술품 컬렉터: 페기 구겐하임과 밴더빌트 휘트니
페기 구겐하임은 세기적인 아트 컬렉터이고 유럽 미술을 미국에 소개하며 예술가들을 아낌없이 후원하였고 2015년 그녀의 삶을 조명한 영화
가 오픈했다. 1898년 8월 26일 뉴욕에서 탄생하며 벤저민 구겐하임의 딸이며 뉴욕 구겐하임 미술관 설립자 솔로몬 구겐하임의 조카다. 1912년 4월 아버지 벤저민 구겐하임이 타이태닉호 침몰로 돌아가시자 막대한 유산을 받게 되었다. 1942년 10월 뉴욕 맨해튼에 <금세기 미술 화랑 Art of This Century Gallery>을 오픈했고 개관 첫날 수 백 명이 찾아올 정도로 성황을 이루었고 브라크, 디키 리쿠, 살바도르 달리, 막스 에른스트, 자코메티, 칸딘스키, 미로, 피카소, 탕기 등 유럽의 전위적 작가들 작품을 전시했고 유럽에서 건너온 화가들이 미국의 미술가 잭슨 폴락, 마크 로스코 등과 만나게 되는 공간이 되었고 뉴욕과 파리의 미술을 연결하는 다리 역할을 했다. 페기 구겐하임의 역할로 뉴욕은 파리와 함께 세계 미술 시장을 양분하게 되고 현대 미술의 중심지로 변했다. 첫 번째 남편 바일과 이혼 후 1941년 뉴욕으로 돌아와 막스 에른스트와 결혼을 했고 440 E. 51st. 에 살았다. 20세기 미술에 많은 영향력을 행사했고 수많은 예술가들을 도와줬으며 그 가운데 잭슨 폴락도 있다. 그녀가 살던 아파트(155 E. 61st.) 벽화를 그려달라고 폴락에게 부탁했다. <글 내용은 구겐하임 미술관 웹사이트를 참고>
미국의 조각가 이자 예술의 후원자이자 새로운 미국 미술의 휘트니 미술관의 설립자 거트루드 밴더빌트 휘트니는 1875년 1월 뉴욕에서 태어나 1942년 4월 뉴욕에서 사망했다. 그녀는 제독 코넬리우스 밴더빌트의 증손녀였다. 어린 시절부터 미술에 관심을 갖고 1896년 해리 페인 휘트니(Harry Payne Whitney)와 결혼 후 유럽 여행을 갔다. 파리 몽마르트르와 몽파르나스를 보고 미술에 대한 영감을 받고 예술가의 길을 걷게 되었다. 파리에서 로댕 아래에서 공부하고 뉴욕 아트 스튜던츠 리그에서 공부를 했으며 조각가의 길을 걸었다. 1907년 그리니치 빌리지 스튜디오에서 그녀는 로버트 앙리, 윌리엄 J. Glackens, 존 슬론, 조지 LUKS, 아서 B. 데이비스 등 진보적인 예술가들을 만나 그들의 작품을 구입하고 휘트니 스튜디오를 열었다.
1914년 빌딩( 8 W 8th st.)을 구입해 젊은 예술가들을 위한 전시 공간 갤러리로 만들어 휘트니 스튜디오를 대중에게 공개하고 <젊은 예술가 친구 Friends of Young Artists(1915)> <휘트니 스튜디오 the Whitney Studio Club(1918)> <휘트니 스튜디오 갤러리 the Whitney Studio Galleries(1928)>를 설립했다. 휘트니 스튜디오 클럽에서 휘트니 스튜디오 갤러리까지 변화하는 동안 수많은 젊은 예술가들을 지원했다. 그 가운데 조셉 스텔라, 에드워드 호퍼, 스튜어트 데이비스 등이 있다. 휘트니의 아트 컬렉션은 점점 더 많아져 가고 메트 뮤지엄에 기부하려고 했으나 메트 뮤지엄은 검증받지 않은 작가란 이유로 거절을 하니 1931년 미술관을 세웠다. 그렇게 뉴욕 맨해튼 그리니치 빌리지에 휘트니 미술관이 탄생했다. 조각가인 휘트니는 그리니치 빌리지 예술 커뮤니티에서 눈에 띄는 예술 후원자였다. <글 내용은 휘트니 미술관 웹사이트를 참고>
20세기 현대미술가 정리
작가이름 시기 국가 특징 대표작
에드바르 뭉크
Edvard Munk 1863-1944 노르웨이 자신의 일대기를 자화상으로 남김
현대인의 정신적 고통, 인간의 고독과 소외, 불안감 절규
아메데오 모딜리아니
Amedeo Modigliana 1884~1920 이탈리아 인간의 내면과 본질에 대해 그리고자 했음. 파리에서 활동했으며, 초상화와 누드화를 다수 그림 큰 모자를 쓴 잔느
구스타프 클림트
Gustav Klimt 1862~1918 오스트리아 금가루를 사용한 작품(유디트, 아델레 블로흐-바우어의 초상 등)
건축장식미술 연인(키스)
에곤 쉴레
Egon Schiele 1890~1918 오스트리아 니체의 영향을 받아 표현주의 구사
인간의 감정과 본능적인 성욕을 그림으로 표출 꽈리가 있는 자화상
알폰스 무하
Alphonse Mucha 1860~1939 체코 백일몽
바실리 칸딘스키
Wassily Kandinsk 1866 ~ 1944 러시아 추상회화의 선구자
마르크 샤갈
Marc Chagall 1887~1985 러시아 회화, 판화, 벽화, 스테인드글라스 등
프랑스 니스에 1948년에 정착, 미술관있음 마을과 나
앙리 마티스
Henri Matisse 1869 ~ 1954 프랑스 야수파 춤
피에트 몬드리안
Piet Mondrian 1872~1944 네덜란드 마티스에 감명받아 추상화 시작
1940년 미국으로 이동
프리다 칼로
Frida Kahlo 1907~1954 멕시코
사고 이후 자신의 모습이 담긴 자화상을 다수 그림
파블로 피카소
Pablo Picasso 1881~1973 스페인 입체주의 도라 마르의 초상
살바도르 달리
Salvador Dali 1904~1989 스페인 초현실주의 기억의 지속
르네 마그리트
Rene Magritte 1898~1967 벨기에 초현실주의, 상업디자이너 대전쟁
피에로 포르나세티
Piero Fornasetti 1913~1988 이탈리아 가구, 인테리어
리나 카발리에리를 모티브로 한 그림 다수
앤디 워홀
Andy Warhol 1928~1987 미국 펜실베니아 대중적 상업디자이너로 팝아트 마릴린 먼로
로이 릭텐스타인
ROY LICHTENSTEIN 1923~1997 미국 뉴욕 광고이미지와 만화를 확대하여 점으로 표현 행복한 눈물
키스 해링
Keith Haring 1958~1990 미국 그래피티로 시작해서 고급미술과 저급미술의 경계를 허물고자 했음
데이비드 호크니
David Hokney 1937~ 영국 a bigger splash
현대미술의 중심 미국 미술은 바로 이런 것!
서울 덕수궁미술관에서 열리고 있는 ‘이것이 미국 미술이다’ 전시에서는 현대미술 거장들의 작품을 한자리에서 만날 수 있다. ⓒphoto 한준호 영상미디어 기자
만 레이, 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인, 제프 쿤스, 에드워드 호퍼, 조지아 오키프, 크리스토…, 한 명의 작품을 보는 것도 쉽지 않은 일인데 현대미술 거장들의 작품을 한자리에서 만날 수 있다. 서울 덕수궁미술관에서 ‘이것이 미국 미술이다:휘트니미술관전’이 열리고 있다. 휘트니미술관은 뉴욕 4대 미술관 중 하나로, 가장 미국적인 미술을 볼 수 있는 미술관이다. 휘트니미술관이 아시아에서 소장품을 공개하는 것은 이번이 처음이다. 휘트니미술관은 1931년 미국의 미술과 작가들을 지원하려는 목적으로 개관한 이래 수많은 현대작가들을 지원하고 그들의 작품을 사들였다. 이번 전시에는 세계 미술의 주도권을 유럽에서 미국으로 옮겨오게 만든 작가 47명의 작품 87점을 소개한다.
현대미술의 중심이 된 미국 미술은 어떤 것일까? 이 물음에 대한 대답은 1917년 한 전시회에 남자 소변기를 들고나온 마르셀 뒤샹으로부터 찾을 수 있다. 뒤샹은 ‘샘’이라는 제목을 붙인 소변기 작품이 전시회에서 거부당하자 ‘도대체 미술이 무엇이기에 변기는 안 된다는 말인가?’라는 질문을 던지며 반(反)예술을 기치로 ‘오브제(Object)’를 미술 속에 던져 놓았다. 일상적 가치에서 벗어나 미적 대상이 된 ‘오브제’를 활용한 작품은 미술의 영역을 확장시키는 데 중요한 역할을 해왔다.
쓰레기더미에서나 찾을 수 있을 것 같은 하찮은 소재마저 서슴지 않고 예술의 영역으로 끌어들인 네오다다(Neo Dada)가 그렇고, 소비사회의 넘쳐나는 이미지들을 예술적 소재로 사용한 팝아트(Pop Art)가 그렇다. 코카콜라·말보로 담배 등 미국 주요 기업의 상표는 물론이고 슈퍼마켓에 넘쳐나는 식료품과 가정생활용품·패스트푸드 등이 작품의 소재로 등장하면서 현대미술은 돌이킬 수 없이 변모했다.
“미국의 위대함은 가장 부유한 소비자로부터 가장 가난한 소비자들에 이르기까지 모두가 동일한 상품을 구입하고 소비하는 전통을 시작했다는 점이다. TV를 보면 코카콜라가 나오는데 대통령도, 리즈 테일러도, 당신도 동일한 코카콜라를 마시고 있다는 것을 생각해 보라.”
팝아트의 대표주자 앤디 워홀은 이같이 말하면서 일상의 모든 것들을 예술계에 입성시켰다.
이번 전시는 20세기 초부터 현재에 이르는 미국 현대미술의 역동적 역사를 오브제를 통해 감상하고, 동시에 일상생활 속의 오브제가 미국 사회와 문화를 어떻게 반영하는지 탐색할 수 있다. 전시는 ‘아메리칸 아이콘과 소비문화’ ‘오브제와 정체성’ ‘오브제와 인식’으로 구성된 3부와 특별섹션 ‘20세기 미국 미술의 시작’으로 나눠 살펴볼 수 있다.
(좌) 찰스 레이의 ‘퍼즐 병’ (우) 톰 웨셀만의 ‘위대한 미국 누드 #57’
미국 미술의 본질을 보여주는 워홀의 코카콜라병, 초현실적이고 괴팍한 퍼포먼스와 추상조각들을 주로 선보였던 찰스 레이의 유리병 안에 갇힌 인간, 클래스 올덴버그의 거대한 담배꽁초들, 올덴버그와 아내 코샤 반 브뤼겐의 흐느적거리는 비올라…. 삶과 예술의 경계를 넘나들며 엄숙주의에서 탈피해 일상용품에 담긴 시대의 가치를 반영한 작품들이 전시장 곳곳에서 관객들의 허를 찌른다.
미국 미술의 흐름을 전반적으로 이해하는 데 도움을 줄 특별섹션 ‘20세기 미국 미술의 시작’에서는 현대인의 고독과 불안함을 잘 표현해내며 가장 미국적인 화가로 꼽히는 에드워드 호퍼의 작품이 처음으로 한국 관객들과 만난다. 호퍼 이외에도 20세기 초반 도시의 풍경을 독자적인 형식으로 그려낸 존 슬론, 유명 사진작가 앨프리드 스티글리츠의 연인으로 유명한 조지아 오키프의 추상 작품을 만날 수 있는 흔치 않은 기회이다. 조선일보사와 국립현대미술관이 공동 주최한 이번 전시는 9월 25일까지 계속된다. 관람료는 어른 1만2000원, 청소년 9500원, 유아 4000원(덕수궁 입장료 포함). 문의 (02)755-2040
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